L’art de faire de l’art |  Apprendre à peindre au Studio 215

L’art de faire de l’art | Apprendre à peindre au Studio 215

janvier 24, 2022 0 Par brandon


La colonne Art of Making Art traite généralement du processus d’un artiste. Mais cette colonne est différente. Je raconte ma quête personnelle actuelle d’apprentissage de l’art : peindre dans un studio avec un professeur d’art.

Je suis plus heureux lorsque je fais quelque chose de nouveau ou que je fais quelque chose que j’aime tout en apprenant à le faire mieux ou différemment. Récemment, un ami a noté que mon intérêt pour l’art semble motivé par l’apprentissage plutôt que par le résultat. Après un petit examen de conscience, j’ai décidé qu’elle avait mis le doigt sur la tête. Par exemple, je passe souvent d’un style à l’autre même si je n’ai pas assez confiance en mes résultats antérieurs. Je déménage quand même car l’aspect apprentissage n’est plus évident pour moi.

Alors que je suis principalement autodidacte en aquarelle – avec des remerciements à l’aquarelliste de Chicago Bill Bartelt et un bon nombre de vidéos YouTube – et confiant avec ce médium, j’ai récemment frappé le mur d’un néophyte en utilisant des peintures acryliques et je savais que j’avais besoin d’aide.

Il était donc temps d’apprendre d’un expert, et je me suis inscrit pour du temps en studio avec Sarah Kaiser-Amaral, une instructrice d’art bien connue, hautement qualifiée et expérimentée d’Evanston. Je travaille avec elle une fois par semaine depuis quatre mois, et chaque séance a été un excellent apprentissage révélateur !

Professeur d’art d’Evanston Sarah Kaiser-Amaral. (photo envoyée)

Lors des discussions de démarrage en septembre, j’ai dit à Sarah que je n’avais vraiment aucune instruction formelle préalable. Donc, au départ, elle m’a fait travailler sur quelques techniques de base. Par exemple, elle m’a fait apprendre à peindre des formes pleinement développées, un oignon pour un cercle et un bloc de pierre pour un carré. Ces modèles m’ont aidé à mieux voir la forme, la lumière et l’ombre. Elle m’a expliqué la théorie des couleurs et m’a montré comment créer une roue chromatique et comment mélanger pour obtenir différentes couleurs neutres. Nous avons discuté et fait des dessins axés sur la perspective. Elle m’a également aidé à comprendre le but des différents médiums pour créer de la transparence, pour ajouter du volume et même pour ralentir le séchage de la peinture.

Situé au Noyes Cultural Arts Center, le studio de Sarah, Studio 215, est une grande pièce ensoleillée remplie de nombreux exemples de son travail terminé et en cours ainsi que d’œuvres d’étudiants. La salle est suffisamment grande pour que les étudiants aient leur propre espace pour s’asseoir ou se tenir debout. Alors que les étudiants sont censés avoir leur propre matériel, Sarah propose rapidement des pinceaux, de l’acrylique, de la craie, des fusains, du papier à palette, des bords droits et du ruban adhésif afin que les étudiants puissent découvrir des objets qu’ils ne possèdent peut-être pas encore. Sa bibliothèque est remplie de références couvrant une variété d’artistes et de techniques qu’elle ouvre fréquemment tout en lui demandant d’élargir différentes idées et concepts et de montrer comment d’autres artistes les appliquent.

Studio 215 au Centre culturel des arts de Noyes. (photo envoyée)

Je visite le studio chaque semaine à heure fixe pendant trois heures. Cette classe particulière est un enseignement individuel, bien que plus d’un étudiant soit présent. Sarah demande à chaque élève d’arriver à une heure différente afin qu’elle puisse aider chacun à s’installer et à décider de ce qu’il faut apprendre pour la session. En tant qu’étudiant, vous pouvez apprendre non seulement de ce qu’elle explique, mais aussi de ce qu’elle discute avec d’autres étudiants, si vous le souhaitez. Écouter et voir ce sur quoi les autres travaillent est encouragé mais pas forcé. Possibilité de critique d’autres étudiants est également offerte.

Après avoir travaillé quelques techniques de base dans les premières sessions, il était temps de créer ma première peinture acrylique avec instruction. Compte tenu de mon manque de connaissances formelles, Sarah a commencé par m’enseigner avec l’approche classique traditionnelle. À partir de là, nous prévoyons de passer à d’autres méthodes – mais s’ancrer dans la tradition a déjà été si utile.

Esquisse d’une scène de village.

Pour la première étape de l’approche classique, nous avons sélectionné une photo d’une scène qui m’intéressait. C’était une scène de village avec quatre bâtiments, un ciel et un chemin dans le village. En suivant les instructions, j’ai décidé que cela fonctionnerait mieux avec la toile en position paysage. Ensuite, j’ai dessiné des croquis miniatures de pré-peinture et laissé de côté certains éléments, une voiture et une colline, pour rendre l’image plus agréable pour moi. J’ai également ajouté une deuxième section du chemin pour aller entre deux des bâtiments. En préparation, j’avais besoin de « tonifier » la toile. Sarah m’a montré comment mélanger la terre de sienne brûlée, un brun orangé, à l’aide de ma roue chromatique. Nous avons pensé que ce serait une bonne couleur unificatrice pour la peinture. J’ai teinté toute la toile avec la peinture. À l’avenir, cela empêche toute toile de transparaître et permet à l’œil de juger plus précisément de la valeur et de la couleur.

Ensuite, j’ai découpé un morceau de papier de la taille de la toile. Au fusain, j’ai commencé à esquisser un dessin de la scène photo. J’ai fait de nombreux ajustements dans l’espacement, la perspective et j’ai même utilisé des ombres pour voir l’image plus complètement. J’ai continué à travailler dessus jusqu’à ce que la scène soit correcte, en me concentrant particulièrement sur la perspective et l’emplacement.

J’ai coupé un morceau de papier de transfert (papier carbone) assez grand pour couvrir la toile et j’ai collé le dessin sur le papier de transfert en terminant par un « sandwich » de toile, de papier de transfert et du dessin. Ensuite, j’ai utilisé un stylo à encre pour tracer toutes les lignes fondamentales du dessin. C’étaient les bords principaux des choses, y compris les murs du bâtiment, les toits, les cheminées, les fenêtres, les portes, quelques chaises et le chemin.

Grisaille.

Après avoir retiré le dessin et le papier de transfert, j’ai vu que les lignes transférées sur la toile étaient très faibles. J’ai utilisé une fine ligne de peinture terre d’ombre brûlée pour améliorer chaque ligne. Ensuite, j’ai mélangé plusieurs nuances d’ombre brûlée sur ma palette et j’ai ajouté une quantité importante de médium de glaçage pour rendre chacune plus transparente. J’ai choisi l’ombre brûlée parce que dans certains cas, je voulais que la peinture ultérieure se mêle optiquement à la sous-couche. J’ai utilisé ces mélanges pour sous-coucher chaque zone sombre, moyenne et claire en fonction de la photo. La sous-couche m’a permis de mieux voir les valeurs claires et sombres que je visais en peignant. Dans la tradition classique de la sous-couche, la palette unicolore multi-teintes est devenue connue sous son nom français, grisaille.

Ces premiers pas m’ont tellement rappelé ce que je savais des grands chefs. Ils utilisent une idée appelée mis en place, français pour « mettre en place ». Ils préparent et mesurent tous les ingrédients de la recette et les placent par ordre d’utilisation. Cela leur permet ensuite de se concentrer uniquement sur la partie cuisine du travail. Sarah m’avait appris la même chose. Préparez la toile, sortez mes peintures et préparez-les et « décrivez » complètement (c’est-à-dire, croquis miniature, virage, dessin, transfert, sous-peinture) la peinture. « Maintenant, il ne vous reste plus qu’à peindre ! » elle m’a dit.

Ensuite, j’ai commencé à mélanger les couleurs sur ma palette pour les éléments les plus éloignés, comme le ciel et la limite des arbres éloignés. L’utilisation de neutres est importante, car la nature est pleine de neutres. En utilisant la roue chromatique, je mélangeais des couleurs complémentaires pour atténuer ou neutraliser la couleur afin qu’elle paraisse plus naturelle. Par exemple, dans la ligne des arbres, j’ai ajouté du rouge au vert pour atténuer le vert afin qu’il ne ressemble pas à un dessin animé. Et puis j’ai peint. Ensuite, j’ai mélangé la couleur pour des espaces plus grands, puis j’ai peint. Encore et encore.

En cours.

Parfois, il est utile de s’éloigner du tableau et de le regarder de loin pour voir l’image comme je le ferais si elle était accrochée au mur. Au fur et à mesure que la peinture se développait, je pouvais voir, avec l’aide de Sarah, où la perspective n’était pas vraie. Dans le passé, j’aurais peut-être simplement accepté cela en tant que «peintre débutant», mais avec des conseils, j’ai appris que ces ajustements peuvent être faits puisque je travaille avec de la peinture acrylique que je peux soit couvrir complètement les coups précédents, soit les glacer pour de petits changements.

Une technique que j’ai utilisée sur la brique et sur certaines herbes consistait à racler dans la peinture humide afin que les couches de peinture en dessous puissent apparaître, appelées sgraffite (italien pour rayé), ajoutant de la texture à l’image. J’ai aussi appris qu’en ajoutant un médium à la peinture pour lui donner plus de corps, je pouvais faire « sauter vers l’avant » les éléments du devant et éviter l’aplatissement du tableau.

Cette première peinture utilisant cette technique était certainement plus complète que n’importe quelle autre peinture acrylique que j’avais jamais faite. Je ressens un sentiment de satisfaction que j’ai non seulement appris mais que je peux utiliser ces techniques.

Le dernier tableau de Jean Cunningham.

Mon travail avec Sarah n’est cependant pas terminé. Dans ma prochaine peinture, j’ai construit sur les techniques que j’ai apprises, faisant le mis en place, ou préparation, à la maison, et j’ai utilisé mon temps de studio pour la partie « tout ce que vous avez à faire est de peindre ». Pour le tableau numéro trois, je copie un maître. Je suis plus lâche et je fais plus de peinture humide sur humide où une plus grande partie du mélange de peinture se fait directement sur la toile.

Comme je l’ai appris en interviewant les différents artistes pour cette colonne, il existe de nombreux types d’artistes avec de nombreux processus différents. En tant qu’apprenant, je suis tellement inspiré d’avoir un coach qui m’enseigne pas seulement un processus, car pour moi, apprendre fait partie de l’art.

Vous pouvez en savoir plus sur le studio de Sarah Kaiser-Amaral ici. Vous pouvez également voir des exemples de portefeuille et d’autres informations sur www.sarah-kaiser.com.



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